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Hablar de ANTHRAX es hacerlo sobre una de las bandas más míticas e importantes de la historia del Thrash Metal que, junto a otros grandes como METALLICA, MEGADETH o SLAYER han escrito las páginas más doradas del género, especialmente en la década de los 80, gracias a discos como el que hoy nos ocupa, “Persistence of Time”. Pero si algo les diferenciaba de sus compañeros era un estilo tan personal, desenfadado y original que abrazaba sin pudor a mundos tan dispares como el del Rap o el Hardcore.

Casi tres décadas han pasado ya de la publicación del álbum que, junto a “Among the Living”, está en mi top personal y en el de mucha gente de la discografía de los neoyorquinos . Además fue el último trabajo de la formación más clásica antes de que Joey Belladonna abandonara (o le echaran de) el barco y optaran por nuevos sonidos e influencias en el posterior “Sound of White Noise” ya con John Bush a la voz. No es casual que se publicara en los 90 y marcara ese punto de inflexión que dejaba atrás una irrepetible década para la historia del Heavy Metal en general.

El segundero aceleraba el ritmo para dejar paso a una tormenta eléctrica que se desataba al compás de “Time”. Un corte machacón, pesado, denso, puro ANTHRAX, con la batería de Charlie Benante retumbando a través del altavoz con la infinita complicidad de su escudero Frank Bello al bajo. Una de mis parejas favoritas a la sección rítmica de ayer, hoy y siempre. No es un tema fácil pero es imposible no soltarse la melena (el que la tenga) y entregarse al headbanging más primario en su poderoso estribillo o su glorioso a la par que breve solo de guitarra.

¿Alguna banda de Thrash Metal sería capaz de componer una canción como “Blood”? Sólo ellos. La contundencia del Metal, el groove del Rap, riffs que solo pueden salir de la imaginación de un talento tan suyo y tan personal como el que tiene Scott Ian y con el propio Bello rapeando como si de PUBLIC ENEMY se tratara. Nunca se han dejado llevar por las ataduras del género al que pertenecían y ahí reside parte del gran encanto que siempre han tenido.

En esto que llegamos a uno de los grandes éxitos de los americanos con “Keep It in the Family”, todo un ejemplo de cómo una guitarra eléctrica puede cortar como una afilada cuchilla de afeitar (¡Gracias otra vez Ian!) y como son capaces de ejecutar una base rítmica que juega con virtuosismo y vistosidad entre la aceleración y la desaceleración, algo que está al alcance de muy pocos y que el quinteto convirtió en marca registrada. ¡Qué cañonazo!

“In My World”, ¿Qué puedo decir de ella? Hasta donde la memoria me alcanza el primer tema que escuché de la banda, grabándose a fuego en mi interior y que, aún hoy, sigue siendo mi favorito absoluto de toda su discografía. No le sobra un acorde, un compás, un verso, un estribillo, todo funciona a la perfección. ¡Y de qué manera! Imposible no cantar ese estribillo mientras te destrozas las cervicales o no gozar del delicioso solo de guitarra del pequeño gran Dan Spitz. Intensidad pura y dura.

Pero no todo van a ser composiciones de fácil escucha y digestión, y sino que se lo digan a “Gridlock”. Violenta, agresiva, una apisonadora sonora ruidosa de la que es difícil escapar y no sucumbir a su oscuro encanto. Un ejemplo de Thrash Moderno que dejaría al tan celebrado Grunge de la época a la altura del betún. Señores y señoras. Esto es ANTHRAX en estado natural y no se aceptan imitaciones.

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La instrumental “Intro to Reality” marcaría el punto de inflexión del álbum, un interludio en el que los músicos dejarían patente, una vez más, el inconfundible e incontestable dominio de sus instrumentos dejando latir de una forma más evidente su vertiente más melódica sin renunciar a la velocidad y a la potencia eléctrica que les son inseparables.

Y ahí se funde el arranque de la descomunal “Belly of the Beast”, otro de los grandes éxitos de este “Persistence of Time” y que más huella ha dejado con el paso del tiempo. Aquí se fusionan a la perfección todas las señas de identidad de la banda, agresividad, melodía, velocidad, cambios de ritmo, y un Belladonna en su mejor estado de forma. Hay ocasiones en las que se alinean las estrellas y para este disco debió ocurrir porque sino no encuentro otra explicación a tal estallido de creatividad, calidad y madurez compositiva y sonora. ¡Ojito al estribillo!

Si hay que incluir alguna versión en un trabajo tan redondo como este, un tema que no es de cosecha propia, que sea con el cachondeo, calidad y contundencia de un “Got the Time” de JOE JACKSON que han hecho propio. Un puñetazo metálico que reinventa un tema NEW WAVE con un sello tan personal que no está a la altura de cualquier músico. Mucho más que un cover para el que no pasan los años.

Quizás es cierto que se baja el nivel con “H8 Red” pero no es menos cierto que mantener el nivel tan excelso logrado hasta entonces no es precisamente fácil, ni incluso para ellos. Pero con las repetidas escuchas se acaba apoderando de nuestra atención, con esos “Do I Hate You?” constantes de Belladonna, el sucio solo de guitarra de Spitz y esa colección de riffs que Ian sabe regalarnos en la mayoría de sus composiciones.

La verdad es que “One Man Stands” no es una de esas grandes canciones que cualquier aficionado a la banda o al género nombraría de buenas a primeras, pero es una de esas canciones imprescindibles para que un gran disco se convierta en una obra maestra más allá de sus singles y elegidas que han quedado para la historia. Cañera, pegadiza y con el 100% del ADN de los neoyorquinos con Bello y Benante haciendo de las suyas.

Para acabar el álbum por todo lo alto nada mejor que “Discharge”, toda una demostración de músculo, de velocidad agresiva bien entendida y de intensidad que fusiona estilos e influencias como pocas siempre bajo el filtro que ocasiona la termomix metálica de nuestros protagonistas. Un gran broche para cerrar uno de los mejores discos de la historia del Heavy Metal.

Poco más que añadir de “Persistence of Time” y de ANTHRAX, un grupo diferente y muy especial que es imprescindible para entender la historia del Thrash Metal y que parece estar viviendo una segunda juventud en la actualidad. Hay obras a las que, como al buen vino, el paso del tiempo les sienta de maravilla y nos este nos permite saborearlo de forma única. El tiempo amigos…

Nota: 9/10

Discográfica: Island Records

Texto: Lluís “DiMu” García

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Romanthica es una de las bandas barcelonesas de mayor proyección. Su primer álbum, Eterno (2013), fue recibido con gran entusiasmo por la crítica y su apuesta por la calidad les ha permitido girar junto a bandas como HIM, The 69 Eyes, To/Die/For o Leaves’ Eyes.

Las fechas ya anunciadas serán las siguientes:

13 de Octubre MADRID sala COOL STAGE
17 de Noviembre BARCELONA sala BIKINI

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Ya podéis haceros con las entradas anticipadas en los siguientes enlaces:

-MADRID: www.ticketmaster.es/event/romanthica-entradas/11099
-BARCELONA www.ticketmaster.es/event/romanthica-entradas/11067

Romanthica a finales del mes que viene volverán con su segundo LP de estudio; un refinadísimo ejercicio de lo que ellos mismos llaman pop-rock vestido de negro que llevará por título “Músicas para el fin del Mundo” y nos llegará de la mano de Rock Estatal Records.

El primer adelanto del nuevo álbum ya, “Estrella Fugaz”, está disponible en las distintas plataformas digitales y lo podéis escuchar sobre estas líneas.

Romanthica vuelven con fuerza y con ganas de comerse el mundo a través de su música.

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Tras prácticamente dos décadas de historia a sus espaldas y un par de discos, nos llega el nuevo trabajo de los madrileños OTRA CARA bajo el nombre de “El Valor del Tiempo”. Un notable trabajo de Metal Rock Alternativo de rasgos melódicos compuesto de diez cortes que dejan claras las intenciones y potencial de la banda.

El disco arranca con el tema que le da título, “El Valor del Tiempo”, muy representativo de su sonido gracias a la contundencia instrumental marcada especialmente por los afilados riffs de sus guitarras, Raúl y Javier Medina, y la potencia melódica del registro vocal de Jesús Pina. No cambian el rumbo en “Ser Real”, canción elegida para darle vida en forma de videoclip, una acertada carta de presentación.

Las armonías melódicas se apoderan de la esencia de “Todo Lo Que Soy”, especialmente en esos emotivos dibujos de seis cuerdas y la carga emocional que imprime Jesús al corte.

“Súcubo” posee esos ritmos electrónicos tan habituales en el género y que tan bien se funden con la esencia eléctrica de estas bandas, que fácilmente puede recordar a las propuestas de nombres como SÔBER o SKIZOO.

En “Charlie” llevan las riendas la poderosa base rítmica formada por el bajo de Pablo Steiner y la batería de Fran Carella, al igual que en “Retroevolución”, que encuentra su punto álgido en un logrado estribillo y una intensidad increscendo en la que la delicadeza de su piano juega un papel fundamental. No nos alejamos de esos valores en “Sonrisas y Lágrimas”, que con un aporte más metálico podría encajar perfectamente en la discografía de INMUNE.

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Nos vamos acercando al final del compacto con “Nunca Olvides”, un tema muy pegadizo y que, de nuevo, se mueve entre los martes de la melodía y la contundencia. “Semilla” nos ofrece destellos de esa velocidad, cambios de ritmo y emotividad desatada que me evoca a algunas de las composiciones y, sobretodo, la esencia de bandas como ROMANTHICA, con un deje vocal por parte de Jesús Pina muy cercano al de David Gohe.

Con la llegada del “Invierno”, plagado de fuerza, se pone el punto y final a un disco notable, que se deja escuchar de forma muy satisfactoria, y que demuestra las tablas de los madrileños, que aún están por explotar de forma definitiva en la escena.

Nota: 7/10

Texto: Lluís “DiMu” García

Discográfica: Warner Music / Duque Producciones

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A veces imaginamos hacia dónde puede ir la música de una banda o artista de los que tenemos la suerte de editar y trabajar. En estos 15 años hemos acertado muchas veces, hemos errado otras tantas y nos hemos sorprendido unas pocas más. Pero quizá nunca habíamos sentido algo parecido a la perplejidad que sentimos cuándo escuchamos por primera vez “Babasha“.

Marina Herlop, inmersa en un diálogo constante con su propia necesidad de crecimiento, firma un trabajo que desmonta teorías y destroza los límites de su propuesta.

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A su peculiar forma de componer al piano, se suman ahora capas de electrónica brillante, sintetizadores que despiertan sensaciones adormecidas y todo ello hilado por una voz única, luminosa, y que se presenta en “Babasha” más atrevida y arriesgada que nunca.

El disco ha sido grabado, mezclado y producido por Borja Ruiz en sus estudios en Oviedo, y masterizado por Mandy Parnell (ganadora de un Grammy y que ha trabajado con Björk, Aphex Twin, Chemical Brothers, Depeche Mode…) y Martin Korth en Blacksaloon Studios (Londres, UK).

El próximo 15 de mayo se pondrá a la venta en formato CD, vinilo y digital.

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Con apenas cuatro años de historia en su bagaje pero ya con un EP y un par de discos a sus espaldas, MEGARA nos presenta su nuevo trabajo “Aquí Todos Estamos Locos”, confirmando que su irrupción y ascenso en la escena rockera y metálica de este país no es fruto de la casualidad ni de la suerte.

Trabajo, dedicación y, sobretodo, mucha pasión por lo que hacen, es el gran secreto de su éxito. Fucksia Metal, como ellos mismos se definen, de calidad, talento, melodía y energía, que les ha llevado a abrir para bandas tan importantes (y dispares) como THREE DAYS GRACE o ANTHRAX, presentando su nuevo disco por todo lo alto en un abarrotado Teatro Barceló de Madrid.

El disco arranca con mucha fuerza, como no podría ser de otra forma, a ritmo de “Más Que Una Leyenda”, en el que apenas un puñado de compases nos bastan para percibir esa personal mezcla de estilos que van de lo metálico a lo electrónico, con una Kenzy moviéndose con soltura entre los registros más dulces y más agresivos. Marca de la casa. Ardua tarea no dejarse llevar por la pegadiza melodía de “Enredados”, con los guitarrazos de Rober formando pareja de pista con los destellos más bailables de una cuidada producción a cargo de Kyle Odell, dejando su sello que sino fuera por la falta de guturales podría recordar en esencia a los propios MOTIONLESS IN WHITE.

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Y en eso que llega “Bienvenido al Desastre”, un cañonazo que pone de manifiesto el estado de gracia en la que se encuentran estos cuatro músicos. Un estribillo que golpea fuerte, unos riffs de lo más agresivo en su tramo final y un videoclip tras el que se esconde mucho curro y que tiene una puesta en escena maravillosa, así que sino lo habéis visto todavía ya estáis tardando. Uno de los cortes imprescindibles del compacto sin duda alguna.

En “Almas” dan rienda suelta a su vertiente más comercial, sensible pero intensa, abrazando las sonoridades más suaves antes de que la voz de Kenzy explote definitivamente en un estribillo de esos que te dejan el alma a flor de piel y con Rober regalándonos un corto pero emotivo solo de guitarra, de esos que en ocasiones echo en falta en sus temas. Una carta ganadora para sus directos.

Hay que ver lo bien que entra “Arrástrame al Infierno” y su esencia metálica que tan bien sabe jugar con los efectos y los sintetizadores, aportando multitud de matices a un sonido que resulta muy enriquecido. La esencia del trabajo de Carlos Escobedo de SÔBER a la producción vocal resulta fácilmente palpable en los registros de Kenzy, a la que le sienta como anillo al dedo y hace completamente suyo. Luces y sombras, alivio y dolor, que son ya seña de identidad en lo lírico y lo musical de la banda madrileña. Siguen a lo suyo en “El Hombre de Arena”, en la que no dejan nada al azar, todo está cuidado y mimado al detalle, y firman un nuevo estribillo peligrosamente pegadizo, emotivo y sentido, impregnando de un sincero desnudo todas y cada una de sus palabras.

Volvemos a los terrenos más cercanos a estilos como el Modern Metal o el Metalcore, gracias a esos pasajes tan industriales, con los riffs durísimos de la guitarra de Rober, y una potente e imponente base rítmica ejecutada sin piedad, respectivamente, por el bajo y la batería de Pablo y Pol DQ, solo calmada por la dulzura de los bellos tonos de Kenzy antes de desatarse como si fuera el mismo Molly de HAMLET. Vuelven a vaciarse emocionalmente, saltando al vacío, en “Cuenta Atrás”, con un tempo más pausado y totalmente huérfano de artificios, fruto de un empaque sonoro simple, directo y alejado de virtuosidad. ¡Y qué bien les funciona!

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Damos prácticamente por cerrado el álbum a ritmo de “Esclava del Aire”, al menos en lo que a composiciones originales respecta, dejándonos como despedida un tema contundente, de sabor metálico y afilados versos, que forma un conjunto cíclico respecto al primero de ellos. Y como regalo final ahí tenemos su personal versión en castellano de la mítica “Billie Jean” del malogrado MICHAEL JACKSON, que saben llevar a su propio registro sin perder un ápice de su esencia, como ya hicieran anteriormente con la preciosa “Wings” de la cantante y compositora inglesa BIRDY. Una pequeña y agradable sorpresa.

MEGARA siguen marcando a fuego una intachable evolución, con un crecimiento y madurez espectacular desde aquel EP “, Muérase Quien Pueda”, con el que nos sorprendieron poco antes de agitar la escena nacional con el lanzamiento de su impecable álbum debut, “Siete”. “Aquí Todos Estamos Locos” no hace más que confirmarles como uno de los mayores diamantes en bruto (o quizás ya no) de nuestro país, firmando el que ya es, sin duda, uno de los discos del año.

Tan sólo una pega, y es que la poco más de media hora de duración de éste hace que se nos escape en un suspiro aunque, por suerte, lo podremos disfrutar una y otra vez ya que apenas nos concede un instante de respiro. Bendita locura, que podremos ver encima de un escenario en apenas un mes junto a AVATAR y a KILLUS en varias ciudades de la geografía española. Yo de vosotros no me lo perdería. Avisados estáis.

Nota: 9/10

Lluís “DiMu” García

Discográfica: Autoproducido

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